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Impressionismo, surrealismo, Bienal de Veneza, loucos e design latino-americano neste passeio por exposições notáveis
O calendário artístico de 2024 encerrou com grandes eventos, alguns de escala global, outros centrados em aspectos pouco conhecidos de alguns artistas.
Nesta nota, uma seleção de amostras que abrangeram as vanguardas, a obra do artista ou abordagens a novas formas de compreender a história.
Uma ambiciosa exposição que comemora os 100 anos deste movimento artístico, que reúne cerca de 500 peças, entre pinturas, esculturas, textos, filmes e documentos, num espaço de 2.200 metros quadrados.
Esta exposição, que estará patente até 13 de janeiro, faz parte de um percurso itinerante que começou no Museu Real de Belas Artes de Bruxelas e continuará em cidades como Madrid, Hamburgo e Filadélfia até 2026.

A exposição não só celebra o centenário do surrealismo, mas também procura destacar a sua diversidade e relevância contemporânea.
Entre as obras mais notáveis ​​está L'empire des Lumières, de René Magritte, uma das variações do artista sobre o contraste entre luz e sombra, que recentemente alcançou um recorde em leilão de US$ 121,2 milhões. Outros grandes nomes em destaque são Salvador Dalí, Giorgio de Chirico, Max Ernst, Joan Miró e Picasso.

Além disso, a exposição dá especial destaque às mulheres artistas, como Leonora Carrington, Remedios Varo, Dora Maar e Dorothea Tanning, que encontraram no surrealismo um espaço de emancipação e experimentação artística.

A expansão global do surrealismo desde a década de 1930 também é destacada, com obras de artistas de países como México, Japão e Dinamarca, incluindo Rufino Tamayo, Tatsuo Ikeda e Wilhelm Freddie, cujas contribuições refletem a influência do surrealismo além da Europa e da América.
Esta edição do grande evento mundial de arte contemporânea teve doses de admiração e rejeição.

O evento, que teve participação recorde argentina, contou pela primeira vez com um curador latino-americano, o brasileiro Adriano Pedrosa, que gerou uma proposta que olhava para o sul, para as identidades, para as minorias, algo histórico também.

Assim, dos 330 artistas de 80 países que participaram, mais de uma centena de convidados vieram da América Latina e a sua presença foi notada tanto nos pavilhões nacionais - Argentina, Bolívia, Brasil, Chile, Cuba, México, Panamá, Peru, Uruguai e Venezuela – como na amostra central.
Só para dar um exemplo que mede a situação da participação majoritária de artistas do Sul Global, que por muito tempo foi ignorada pelos principais circuitos do mundo da arte, foi a primeira vez que foi apresentada uma obra de Frida Kahlo , por exemplo, com seu quadro “Diego e eu”, de 1949, que ela pendurou ao lado de outro de seu marido e colega de profissão, Diego Rivera.

Claro que todo movimento gera desconforto e nem todas as avaliações foram positivas. O New York Times chamou-a de “na melhor das hipóteses, uma oportunidade perdida e, na pior das hipóteses, algo próximo de uma tragédia”, enquanto a Harper’s descreveu-a como “uma reviravolta nostálgica na história e um fascínio pela identidade, apresentada em formas familiares” e assegurando que o encontro tornou-se na última década “sucata reciclada, artesanato tradicional e arte popular”.
A exposição desafiou as narrativas tradicionais sobre o Império Romano, mudando o foco para as regiões oriental e meridional do antigo império, numa mostra, com curadoria de Andrea Myers Achi, que destacou as profundas ligações culturais, económicas e artísticas entre o mundo bizantino e o mundo bizantino. províncias africanas, destacando como estas regiões desempenharam um papel crucial na formação da história e da identidade do império oriental, mesmo séculos após a queda de Roma no Ocidente em 476.

A exposição foi estruturada em três seções principais que vão desde a Antiguidade Tardia até os últimos 500 anos, explorando temas como comércio, religião e multiculturalismo. Na primeira parte, foi examinado o papel da África como eixo vital para a sustentação do império bizantino. O Egito, por exemplo, era conhecido como o “celeiro de Bizâncio”, enquanto a Tunísia se destacava como centro de produção de mosaicos.
A segunda seção abordou a expansão e adaptação do Cristianismo Bizantino na África durante a Idade Média. Neste contexto, foram apresentados objetos que ilustram como as tradições cristãs e pagãs coexistiam e até se influenciavam.

A última parte da exposição centrou-se na complexidade multicultural destas regiões ao longo dos últimos cinco séculos, incluindo a propagação do Islão, a ascensão do Império Otomano e a formação do mundo moderno. Entre os objetos mais notáveis ​​estavam as cruzes etíopes feitas entre os séculos XII e XVII, que demonstraram um excepcional virtuosismo artístico no desenho geométrico.
Entre os artistas representados na exposição estavam nomes como Mary Beale, Elizabeth Butler e Laura Knight, que desafiaram as expectativas de sua época ao expor suas obras em público e construir carreiras profissionais.

As obras selecionadas refletiram os desafios que estes artistas enfrentaram nas respetivas épocas, ao tentarem desenvolver carreiras profissionais num ambiente dominado pelos homens. Em muitos casos, as mulheres quebraram os estereótipos de género ao abordar temas considerados exclusivamente masculinos, como cenas de batalha. Um exemplo notável é a pintura de Butler 'The Roll Call' (1874), que retrata soldados participando durante a Guerra da Crimeia.

A amostra também destacou como as experiências destas mulheres variavam dependendo do seu contexto social e pessoal. Embora muitos dos artistas viessem de meios privilegiados, partilhavam uma luta comum contra as limitações impostas pelo seu género.
“Figuras do louco. Da Idade Média ao Romantismo”, patente até 3 de fevereiro de 2025, mostra mais de 327 obras, entre pinturas, desenhos e objetos, para analisar como a figura do louco e do bobo da corte tem sido representada na arte europeia ao longo dos séculos. séculos.

Esta viagem estende-se desde a Idade Média até ao Romantismo, explorando um fenómeno que, durante séculos, despertou fascínio e preocupação na sociedade europeia.

A exposição examina como esta figura começou a tomar forma na arte medieval, num contexto em que a Europa enfrentava constantes epidemias, doenças e a omnipresença da morte. Nos manuscritos iluminados da época, o louco aparecia nas margens, muitas vezes com um sino e uma clava de madeira, e às vezes acompanhado de animais exóticos, como macacos. Essas representações iniciais o mostraram como um personagem marginal, às vezes nu e vociferante, que desafiava as convenções sociais.
Segundo a curadora, Elisabeth Antoine-König, no pensamento religioso medieval o louco era visto como um “lunático que rejeitava a Deus”. Porém, com o tempo, essa figura evoluiu para a do bobo da corte, personagem que, por meio do humor, ousava contar verdades incômodas, mesmo diante de reis. No século XV, esta transformação reflectiu-se em obras literárias como The Ship of Fools, de Sébastien Brant, publicada em 1494 durante o Carnaval de Basileia. Este livro tornou-se o segundo livro mais vendido na Europa depois da Bíblia, o que mostra o impacto cultural desta figura.

Artistas como Peter Brueghel e Hieronymus Bosch incorporaram o bobo como elemento central em suas composições, enquanto nos jogos de cartas e no xadrez, o bobo da corte também encontrou seu lugar, representado em peças como o bispo, conhecido em francês como “fou” (louco). ). Por sua vez, o humanista Erasmo de Rotterdam publicou In Praise of Folly em 1501, obra que defendia o pensamento heterodoxo num contexto marcado pela intolerância religiosa.

Com a chegada do Iluminismo no século XVIII, o pensamento racional tentou banir a obsessão pela loucura. No entanto, artistas como Francisco de Goya lembraram que a razão nem sempre triunfa sobre os impulsos irracionais. O romantismo mais uma vez resgatou a figura do louco, mas desta vez como um artista incompreendido. Exemplo disso é o autorretrato de Gustave Courbet, intitulado Retrato do Louco, que encerra a exposição, sublinhando a ligação entre a loucura e a criatividade.
Claude Monet, Pierre-Aguste Renoir, Alfred Sisley, Édouard Manet, Berthe Morisot... No total foram 31 artistas, orgulhosos defensores da pintura ao ar livre, de retratar fábricas, comboios, casas de cabaré ou pobres, em vez de pomposos desfiles militares , cenas religiosas ou lendas mitológicas.

Uma experiência imersiva que transportou os visitantes a Paris em 1874 foi uma das principais atrações da exposição do Musée d'Orsay, que comemorou 150 anos do nascimento do Impressionismo.

A exposição reuniu 157 obras-primas deste movimento artístico e uma instalação de realidade virtual que permitiu explorar as ruas da capital francesa como eram naquela época, um projeto que exigiu dois anos de pesquisa e desenvolvimento.
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